PREVIOS / OBJETIVOS / DONDE / COMO / PIEZAS

PREVIOS

• Nos planteamos un público consumidor de exposiciones o simplemente que tiene un mínimo interés por ver algo nuevo.
• No podemos plantearnos más publico sin la ayuda de Calle o con una buena campaña de comunicación con la polémica justa para crear expectación y no rozar lo fácil y/o lo ordinario
• Necesitamos que la calle sea el reclamo o anzuelo de captación de gente, que no de público al que llegamos por las vías ordinarias
• Contrastar fondos de Cajasol con otras piezas externas, que le den muchos mas valores o niveles de los que ya tienen.
• Queremos mover conciencias, que re-descubran desde Murillo (Sevilla, 1617 – Cádiz 1682) hasta Miguel Soler (Sevilla 1975) pasando por Jose Arpa (Carmona 1858 - Sevilla 1952), Cristina Lucas (Jaen 1972) o Juan de Roelas (m. 1625) El público revisará una pequeña porción de la Historia del Arte desde una perspectiva constructiva y de “respeto” o no.

OBJETIVOS

• Provocar reflexión mediante la contemplación de la exposición, la confrontación de un mismo mundo separados por siglos de historia, y su sencillo entendimiento facilitado por la didáctica
• Mover cimientos en la anclada y cristiana ciudad de sevilla.
• Nueva forma de contar con una re-visión expositiva
• Fusionar arte clásico - arte actual (con un discurso expositivo coherente)
• Acercar al publico de arte contemporáneo el arte clásico y al público del arte clásico el arte contemporáneo
• Aproximación de la “cultura” a la gente haciéndolo participe mediante percepciones, ayudadas por un ambicioso programa didáctico
• Modificar comportamientos, evitar el conformismo y sedentarismo expositivo, tan habitual en la cultura y remover conciencias políticas y sociales, adquirir compromiso social (con la ayuda de transito y calle) ya que la propia institución carece de el.

• Conseguir distintos niveles conceptuales: Contemplativo, Reflexivo, Abstracto y Crítico

• Relatividad Expositiva (todo será dependiendo del cristal con que se mire, dependerá de las vivencias y experiencias de cada uno de los espectadores).
• PROVOCAR LA LIBERTAD DE PENSAMIENTO. El estar frente a la obra en un "Tú a tú" y ser capaces de mirar en nuestro interior y reflexionar sobre lo que nos pasa por dentro, ser sinceros con nosotros mismos. CONECTAR CON EL IMAGINARIO
• Tratar de llegar con las emociones
• La publicidad y medios de comunicación como una nueva fórmula expositiva más

DONDE

En las Salas Cajasol, Centro Cultural en calle Laraña y Sala Imagen. haciendo de ese recorrido una pequeña MILLA DE ORO

COMO

• Mediante técnicas expositivas no concretas.
• Experimentación
• Cambios constantes
• Canibalismo expositivo
• Asesoramiento museográfico para jóvenes artistas y para el publico asistente que quiera modificar la exposición de alguna u otra manera.
• Exposición rotatoria o móvil
• Mutilación expresiva
• Creación de formulas como reclamo visual

SELECCIÓN DE PIEZAS / SELECCIÓN DE ARTISTAS…

Piezas de la colección:

Bartolome Esteban Murillo: San José con Niño

piezas externas:

Carles Congost, La mala pintura.

Rorro Berjano: el peso de tu Fé

Cristina Lucas: mas Luz

Santiago Sierra: NO

Este NO está hecho para todos los que ya están hartos de la injusticia, la dominación, la censura y la opresión.” NO, sin precisar, NO al mamoneo de un sistema que toma a sus ciudadanos como borregos y que se encarga de reproducir mentes acríticas por medio de una educación a todas luces dirigida.

Miguel Soler: TODO ES POLÍTICA

PRESUPUESTOS

de los fondos de Cajasol, en principio no tenemos que preocuparnos, el problema son las piezas externas...

Arte para deleite público

creo que es un artículo interesante para nuestro conocimiento.

Artículo publicado en la revista yes!

http://www.yesmagazine.org

Luego de un siglo del “arte por el hecho del arte”, en la última década la actividad artística le ha estado dando, cada vez más, una voz al silenciado, iluminando complejas cuestiones políticas, y trayendo alegría al espacio público.

Sin bien los últimos 10 años han sido testigos de la declinación del financiamiento a artistas individuales y la conclusión de muchos espacios alternativos para la expresión del arte, una escena artística global está prosperando. La expansión y la democratización del mainstream artístico, en gran medida facilitadas por Internet, han ayudado a rediseñar el paisaje estético desde un panorama centrado en Nueva York y dirigido por las galerías de arte, a otro escenario en donde una comunidad de artistas global prospera en línea.

En 1995, el acceso generalizado a Internet produjo una explosión deslumbrante de oportunidades para que artistas pudieran conectarse con practicantes de todo el mundo. De pronto, en una sola tarde, un artista podía "visitar" una imprenta en Praga, ver la colección Cone Sisters del trabajo de los tempranos modernistas en el Museo Baltimore, charlar con un colectivo de artistas feministas en Nueva Zelanda, enviar un trabajo a una profusión de espectáculos alrededor del mundo — o mostrar y vender desde su propio website.

Internet no sólo ha creado espacios de arte virtual, sino también nuevas oportunidades para mostrar arte físico en el mundo real, dándole un nuevo alcance a la creatividad del "hágalo usted mismo." Una gira de exhibición, por ejemplo, que anteriormente hubiera sido organizada por curadores, podría ahora ser creada y controlada por artistas — presentando trabajos de todo el mundo.

Un espectáculo de este tipo, organizado en línea, se abrió en Milwaukee en 2001, mostrando trabajos de medios mixtos que iban desde los carteles grabados en madera del artista de Chicago Carlos Cortez para Industrial Workers of the World (Obreros Industriales del Mundo) hasta las imágenes de los artistas Kehban Grifter y Juan Manchu, del Colectivo Beehive Design (Colectivo Diseño Colmena) en colaboración con varias comunidades colombianas. Para Agosto de 2005, la exhibición había sido mostrada en 27 ciudades y viajado más de 40.000 kms., ayudada por un website, www.drawingresistance.org, que se volvió un lugar de encuentro virtual. "Drawing Resistance" (Dibujando Resistencia) dependió de la publicidad y de la recaudación de fondos en cada punto de reunión local.

La capacidad para permanecer conectados en línea ha ayudado a motorizar una saludable diáspora de artistas de lugares más allá de Nueva York, tal como el énfasis de Internet en la comunicación ha dado ánimos a los artistas hacia actividades artísticas colectivas que hacen su propio camino, independientes de las influencias del mercado.

También ha alentado nuevas formas de enseñanza del arte. El Beehive Collective (www.beehivecollective.org), una colaboración descentralizada y permanente de "abejas" anónimas, ha hecho suya la misión de "polinizar las bases" produciendo imágenes que cualquiera es libre de tomar y usar. Entre otros proyectos, la "colmena" envía cerca de 200 discursos por año sobre globalización y promueve la colaboración entre las artes literarias y las artes visuales.

También han emergido programas de arte comunitario — planes de estudio para enseñar un tipo de arte más comprometido socialmente — en campus tales como el Institute for Social Ecology (Instituto para la Ecología Social) y la Escuela Goddard, ambos en Plainfield, Vermont.

Un grupo de 60 "eco-artistas" que se encontraron en Los Angeles, en el cónclave de 1998 de la Asociación de Escuelas de Arte, formaron una red de trabajo en desarrollo de artistas preocupados en preservar y restaurar el mundo natural.

Uno de tales proyectos, completado en 2005, es el Three Rivers Second Nature (Segunda Naturaleza de Tres Ríos) — un análisis del sistema de tres ríos y cincuenta y tres afluentes del condado de Allegheny, Pennsylvania, iniciado por el equipo Studio for Creative Inquiry (Estudio para la Investigación Creativa) de la Universidad Carnegie Mellon. Un equipo de artistas e investigadores, encabezados por Tim Collins y Reiko Goto, sintetizaron información reunida de historiadores, arquitectos paisajistas, especialistas en sistemas de información geográfica, botánicos, ingenieros, y expertos en recursos hídricos para mapear la historia natural de la región, analizar el uso del agua, y considerar la restauración de los riachuelos. Al terminar el proyecto, el equipo presentó sus hallazgos al público.

Mientras tanto, la noción tradicional de arte público — un objeto discreto hecho sin mucha consideración por un lugar en particular — ha sufrido un cambio que refleja la profundización del conocimiento del artista sobre lo que significa trabajar en una comunidad. Primero, los artistas comenzaron a tomar en cuenta la historia y la ecología de un sitio en particular en los primeros años de los '70. El siguiente paso natural fue consultar a miembros de la comunidad, tal vez despertando sus ideas e incluso evocando algunas contribuciones. Durante la última década, un arte público ha emergido que busca emplazar el proceso creativo totalmente en manos de la comunidad, con el artista en el rol de facilitador, ayudando a bosquejar las historias de una comunidad. El término "comunidad" ha sido definido más abarcativamente para incluir a grupos marginalizados tales como prisioneros y habitantes de albergues.

Pero de todos los desarrollos recientes, puede que el más excitante sea el surgimiento de artistas-activistas jóvenes, de entre 20 y 30 años. Una estirpe diferente de los graduados de escuelas de arte del pasado (que competían para convertirse en "estrellas artísticas"), estos jóvenes hacen arte en servicio del cambio social. Hacen proyectos de "arte de reclamación" en sitios degradados. Ayudan a crear diálogo entre grupos polarizados. Trabajan para fomentar un sentido de comunidad.

Son un futuro de esperanza para el arte.

Color Local

copiar y pegar el enlace:

http://www.dailymotion.com/video/x591ga_color-local_fun

Ciudad de Sevilla. Naranjas amargas. Ni contigo ni sin ti

En Naranjas amargas (ni contigo ni sin ti), acción realizada por María AA en diciembre de 2008 confluyen prácticamente todos estos elementos.

Tras extender un lecho de naranjas amargas sobre el suelo, en una superficie rectangular, la artista vestida con un traje de flamenca rojo, narra su relación conflictiva, de amor-odio, con la ciudad que la vio nacer y las dificultades que experimenta un creador en Andalucía. Sus primeras palabras son: “Me llamo María AA y hace cuarenta años nací en Sevilla…”. Su voz conduce la acción mientras aplasta naranjas amargas con sus zapatos de tacón y el olor de esta fruta característica de Sevilla invade la estancia.

Para sumergirnos lo más posible en la acción nos lanza sonidos, colores, aromas, recuerdos, palabras e imágenes. Pisotones de rabia e impotencia resuenan, mientras el zumo resbaladizo de la fruta se esparce al relatar el provincianismo y la mentalidad anticuada con los que se tiene que enfrentar en su ciudad. Un lugar dotado de gran hermosura, en la que sus habitantes hacen que se sienta extraña en su tierra y más extraña fuera de ella.

Objetivos....

• Provocar reflexión
• Nueva forma de contar
• Acercar arte público-arte contemporáneo
• Fusionar arte tradicional-arte contemporáneo (con un discurso expositivo coherente)
• Modificar comportamientos
• Distintos niveles conceptuales: Contemplativo, Reflexivo, Abstracto, Crítico
• Tratar de llegar con las emociones
• Relatividad Expositiva (todo será dependiendo del cristal con que se mire, dependerá de las vivencias y experiencias de cada uno de los espectadores). PROVOCAR LA LIBERTAD DE PENSAMIENTO. El estar frente a la obra en un "Tú a tú" y ser capaces de mirar en nuestro interior y reflexionar sobre lo que nos pasa por dentro, ser sinceros con nosotros mismos. CONECTAR CON EL IMAGINARIO
  
• Inconformismo, compromiso social
  
• La publicidad y medios de comunicación como una nueva fórmula expositiva más.
  

NO. Santiago Sierra

Arco. Madrid 2010

Para Sierra esta pieza supone su obra magna, un grito antagonista del sistema. “Las personas que están luchando activamente contar el sistema necesitan imágenes y los artistas se las debemos proporcionar. Este NO está hecho para todos los que ya están hartos de la injusticia, la dominación, la censura y la opresión.” NO, sin precisar, NO al mamoneo de un sistema que toma a sus ciudadanos como borregos y que se encarga de reproducir mentes acríticas por medio de una educación a todas luces dirigida.

Nosotros, como Santiago, también decimos NO. NO y NO. Quizá algún día podamos decir SI. Lo único que nos queda es perseguir utopías.

NO por la espalda es ON

Ryan Paris - La mala pintura NEW FILM (SPAIN)

Inauguración "New Gods, New Retables" Rorro Berjano en La Nave Espacial,...

Cristina Lucas. AMA. Artista. Mujer. Andaluza

Cristina Lucas
1973, Jaén, España. Vive en España, Holanda y Francia

Describir la perspectiva crítica de Cristina Lucas como feminista es al mismo tiempo inevitable, pero también insuficiente. A lo largo de esta ya muy desgastada primera década del siglo XXI, Lucas ha enfilado su sarcasmo contra una enorme variedad de ídolos intelectuales, institucionales e iconográficos, delineando una práctica continuamente marcada por el motivo de la emancipación. La nota dominante de esta práctica es la activación de un humor crítico, que Lucas enfila lo mismo para sacudir los estereotipos políticos de la historia social española (El viejo orden, 2004), que para provocar un linchamiento carnavalesco de un busto de Jean Jacques Rousseau en repudio del patriarcado de la ilustración (Rousseau y Sophie, 2007), o a fin de escenificar la violación en masa que tendría que derivarse de tomar a la letra la conocida imagen de Eugène Delacroix de la libertad desnuda guiando al pelotón de la plebe (La liberté Raisonnée, 2009).

Más allá del uso estratégico de la sátira, Lucas plantea continuamente una estética de la intervención que se ejerce lo mismo en la apropiación de imágenes que en el roce irónico con una variedad de aparatos del poder. Del mismo modo que en Más Luz (2003) grabó a escondidas un diálogo en un confesionario con un cura católico acerca del desdén de la Iglesia romana por el arte contemporáneo, o en soldados.com (2007) registró mediante llamadas telefónicas a los centros de reclutamiento la instrumentación de la inmigración como una especie de leva contemporánea, cada obra de Lucas apunta a señalar a la historia como el renacimiento continuo de la cabeza de la hidra de la ideología, que se expresa, a nivel planetario en términos del avance y retroceso de las fronteras de los imperios y soberanías, y en los efectos irónicos del sufragio universal.

Quienes recientemente han visto cómo en el film Habla (2008) Lucas emplea una especie de “filosofía del martillo” para tratar de obligar, infructuosamente, al Moisés de Miguel Ángel a recuperar la palabra, entenderán con la mayor nitidez por qué esta iconoclasta contemporánea tenía un sitio reservado en Dominó Caníbal. Ante el reto de retomar los elementos que Jimmie Durham introdujo a la Iglesia de Verónicas en Murcia, Lucas se ha propuesto añadir un nuevo momento de transgresión, que propondrá el pasaje del supuesto readymade a la creación de una trampa “relacional”. Haciendo un corto circuito entre los códigos de la estética contemporánea y el modo en que popularmente se reciclan los desechos para construir un mobiliario festivo, Lucas propone a los espectadores y comentaristas la participación en un acto de canibalismo cultural. En su intervención los espectadores tomarán consciencia de que el llamado a retornar los objetos de la alta cultura al registro de lo utilitario no deja de albergar un momento donde la sonrisa se torna en dentellada.